Ein sonniges Pariser Café in einem 19. Jahrhundert

Oct 19, 2023

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Von Zoey Poll

In diesem Frühjahr eröffnete das kürzlich renovierte Bourdelle-Museum im Pariser Stadtteil Montparnasse ein leuchtendes neues Café-Restaurant, Le Rhodia, benannt nach der Tochter des französischen Bildhauers Antoine Bourdelle. Das karge, narzissengelbe Esszimmer befindet sich im zweiten Stock eines Künstlerateliers aus dem 19. Jahrhundert, in dem einst Rhodia Bourdelle und ihr Mann, der Art-Déco-Innenarchitekt Michel Dufet, lebten. „Wir wollten, dass es sich anfühlt, als würde man jemandes Wohnung betreten“, sagt Marc-Antoine Servella, Mitbegründer des Pariser Architekturbüros SAME, der für die Gestaltung des Cafés verantwortlich war. Er richtete Le Rhodia mit einer Mischung aus Flohmarktfundstücken aus der Mitte des Jahrhunderts und von französischen Kunsthandwerkern in Auftrag gegebenen Einzelstücken aus Materialien von Travertin bis Eiche ein, wobei er einige originale Details wie einen Holzofen und ein großes Oculus-Fenster (entworfen von Dufet im Jahr 2010) beibehielt Geist der Kabinendekoration des Ozeandampfers, für die er vor allem bekannt war). Museumsbesucher können auch draußen auf der Zwischenterrasse neben einer Kolonnade wachsamer Bronzebüsten speisen. Die Speisekarte bietet erfrischende Gerichte mit kulinarischen Bezügen zu Bourdelles Heimatstadt im Südwesten Frankreichs und einem lateinamerikanischen Einfluss – eine Hommage, sagt der französische Chefkoch Jean-René Chassignol, an die Dutzenden Studenten aus Peru, Chile und Argentinien, die bei Bourdelle ihre Ausbildung gemacht haben in diesen Ateliers. Zu den eher leichteren Gerichten gehören ein Püree aus schwarzen Bohnen mit eingelegten Rüben und Maisnüssen sowie saisonale Gemüse-Empanadas. Den ganzen Tag über werden Gebäck wie die Rhodia-Brioche mit Orangenblütencreme oder die mit Honig und Thymian angereicherte Madeleine d'Antoine serviert. instagram.com/lerhodia_bourdelle/.

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Von Adriane Quinlan

Als der Künstler Juan Pablo Echeverri letztes Jahr im Alter von 43 Jahren starb, hinterließ er mehr als 8.000 Selbstporträts, die in Passfotoautomaten auf der ganzen Welt aufgenommen wurden. Was als Tagebuch über Frisuren und Piercings begann, entwickelte sich zu einem Konzeptkunstprojekt, als Echeverri sich als Künstler weiterentwickelte. Diesen Sommer wird ein aus etwa 400 dieser Fotos zusammengestelltes Raster in der James Fuentes Gallery in Manhattan hängen; Eine weitere war bei Between Bridges zu sehen, der gemeinnützigen Organisation in Berlin, die von Echeverris ehemaligem Arbeitgeber, dem Fotografen Wolfgang Tillmans, geleitet wird, der beide Ausstellungen kuratiert hat.

Echeverris plötzlicher Tod an Malaria ereignete sich genau zu dem Zeitpunkt, als seine Karriere mit einer Ausstellung in León, Mexiko, und einer Arbeit in der Sammlung des ehemaligen Präsidenten seiner kolumbianischen Heimat auf dem Vormarsch war. Aber es wäre ein Fehler, die Porträts als düsteres Memento Mori zu betrachten. „Ich möchte die Arbeit nicht überfordern“, sagt Tillmans, der es lieber so sieht, wie Echeverri war: schlau, intellektuell und selbstironisch. Der Titel der Passserie, „Miss Fotojapón“, verknüpft einen Witz über Kolumbiens Scheitern in der Vergangenheit, die Wahl zur Miss Universe zu gewinnen, mit dem Namen einer Fotoverarbeitungskette. Die Ausstellung in New York umfasst auch „Identidad Payasa“ (2017), eine Serie von Doppelporträts, bei denen der Künstler die Linse mit Straßenclowns in Mexiko-Stadt teilte. Zuerst machte Echeverri ihre Fotos in vollem Kostüm und bat dann die Clowns, seinen Look nachzubilden, um ihre Position zu verkörpern. Tillmans sagt, die Fotos zeigen, wie sehr Echeverri sich in die Clowns hineinversetzte – sie waren beide Künstler, führten eine visuelle Performance auf und trugen Masken. „Sind sie ernst zu nehmen? Offensichtlich werden sie ausgelacht. Es ist tiefgründig, aber er hat es leichtfertig gespielt“, sagt er. „Identidad Perdida“ ist vom 7. Juni bis 29. Juli auf jamesfuentes.com zu sehen.

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Von Michaela Trimble

Die in Texas ansässige Hotelgruppe Bunkhouse – bekannt für ihre intimen, gemeinschaftsorientierten Häuser wie das Hotel Saint Cecilia und das Hotel San José in Austin – hat kürzlich mit Eröffnungen in Salado, Texas, expandiert; Louisville, Kentucky und zuletzt Mexiko-Stadt. Das Hotel San Fernando liegt in Condesa, dem Viertel, das für seine Art-déco-Architektur und die weitläufigen, von Jacarandabäumen gesäumten Parks bekannt ist. Neunzehn Gästezimmer befinden sich heute im Edificio San Fernando, einem Apartmentgebäude aus den 1940er-Jahren, dessen jadefarbene Keramikfliesenböden und Buntglasfenster bei einer Renovierung durch Bunkhouse und das Architekturbüro Reurbano aus Mexiko-Stadt erhalten blieben. Pflaumenfarbene Torbögen grenzen an eine salbeigrüne Lobby, von der aus Gäste über eine Wendeltreppe zu den Zimmern gelangen. Die Möbel wurden größtenteils in Mexiko hergestellt, darunter Sperrholzmöbel vom Designstudio La Metropolitana, rote Lampen mit mundgeblasenen, undurchsichtigen Glasschirmen vom Oaxaca-Studio Oaxifornia und Werke lokaler Künstler wie Pedro Friedeberg und Ricardo Guevara. Gäste können ihre Mahlzeiten auf der Dachterrasse genießen, mit Gebäck wie Vanille-Conchas zum Frühstück und kleinen Gerichten wie Tostadas und Aguachile ab Mittag. Hotel San Fernando öffnet am 1. Juni; Zimmer ab 215 $, bunkhousehotels.com.

Begehren Sie dies

Von Becky Malinsky

Die Designer von Cartier haben die Angewohnheit, kostbaren Schmuck auf Basis von Alltagsgegenständen zu kreieren. Die Juste Un Clou-Kollektion verwandelt einen Baunagel in mit Diamanten besetzte Manschetten und Kragen, während der Cactus de Cartier, eine Reihe stacheliger Kuppeln, die Wüstenpflanze als Cocktailring vorstellt. Die Grain de Café-Kollektion setzt diesen Trend fort und nutzt Kaffeebohnen als Inspiration für Armbänder, Ohrringe, Ringe, Halsketten und Broschen. Die Java-Anhänger wurden von Jeanne Toussaint, der langjährigen Direktorin des Hauses, ins Leben gerufen und tauchten erstmals 1938 in den Entwürfen des Hauses auf. Prinz Rainier III. schenkte Grace Kelly für ihre Hochzeit im Jahr 1956 ein Café-Set, und ihre mit kleinen goldenen Bohnenanhängern besetzte Halskette diente als Geschenk eine Referenz für die neuen Designs. Diesen Juni stellt das Unternehmen sechs neue Stücke in der Kollektion vor, von einer seilartigen Kette mit fünf gebündelten Bohnen bis hin zu einem zweifarbigen Ring, der mit baumelnden, mit Diamanten gepunkteten Bohnen besetzt ist. Sie sind alle so konzipiert, dass sie sich leicht bewegen und ein anregendes Klingeln abgeben. Ab 7.250 $, cartier.com.

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Von Katherine McGrath

Die französische Keramikerin Ludmilla Balkis begann zunächst, Ton zu Töpfen, Flaschen und Schalen zu formen, um ihr früheres Leben in der Mode hinter sich zu lassen. Inspiriert durch die filigranen Arbeiten der britischen Bildhauerin Lucie Rie wollte sie einen natürlichen, freien Rhythmus finden aus der Vorgabe, nach einem festen Zeitplan zu produzieren. Balkis hatte eine Ausbildung zum Modedesigner gemacht und unter Phoebe Philo bei Celine in London gearbeitet; 2015 begann sie mit der Herstellung von Keramik. Ihre hauchdünnen Strukturen, geformt aus dem rotbraunen Ton, den sie an der französischen Küste sammelt und mit Sand vermischt, um eine rauere Textur zu erhalten, fordern die Anziehungskraft der Schwerkraft heraus und drohen einzustürzen. Oft werden Gegenstände, die sie auf langen Spaziergängen durch die Natur im französischen Baskenland findet, wo sie ein Atelier unterhält, in die Stücke integriert. In ihrer neuesten Ausstellung „Stasis“, die nächste Woche in der Roman and Williams's Guild Gallery in New York zu sehen ist, ist ein weiß geschliffenes Steinzeugbecken mit Zweigen bedruckt, während ein Trio laternenartiger Gefäße rohe Kanten aufweist, die mit trockener Holzasche gesprenkelt sind. „In gewisser Weise sind die Bewegungen und Techniken [zwischen Keramik und Mode] ähnlich“, sagt Balkis. „Das Drapieren von Stoff um eine Schaufensterpuppe besteht aus dem Ziehen und Feststecken von Material, um ein dreidimensionales Design zu schaffen. Bei Keramik wiederhole ich diesen Vorgang intuitiv – ich erschaffe um einen leeren Raum herum, aber ich arbeite daran, als wäre es ein imaginärer Körper.“ „Stasis“ wird vom 9. Juni bis 15. Juli auf rwguildgalleryny.com zu sehen sein.

Trage das

Von Monica Mendal

Die Brautmodendesignerin Danielle Frankel Hirsch hat bereits Kollektionen mit Perlenschmuck entworfen, die zu den Seiden-Neckholder-Oberteilen und Tüllkleidern passen, die sie für ihr Label Danielle Frankel kreiert. Doch als Teil ihrer Mission, Hochzeitstraditionen in eine neue Richtung zu lenken, wählte Frankel Hirsch ein weniger erwartetes Medium für ihre neuesten Accessoires. „Ich begann mit der Frage: ‚Wenn wir Blumen [in Ton] gießen könnten, wie würde das aussehen?‘“, sagt sie. Sie begann nach Referenzen zu suchen und fand Bilder von welkenden Blumen, die ursprünglich auf Zigarettenkarten gedruckt und als Teil der George Arents Collection in der New York Public Library digitalisiert worden waren. Dann entdeckte sie einen in der Ukraine ansässigen Kunsthandwerker, dessen Spezialität die Herstellung realistischer Blumenskulpturen aus Ton ist, der über einem Drahtrahmen geformt wird. Frankel Hirsch verkauft jetzt eine Reihe von Blüten, darunter Lavendel-Anemonen- und rosa Magnolien-Ohrringe sowie Lilien- und Rosenbroschen. Sie geht davon aus, dass Bräute es zu schätzen wissen, dass sich jedes Design leicht von den anderen unterscheidet und dass sie im Gegensatz zu einem Blumenstrauß für immer aufbewahrt werden können. Ab 1.250 $, daniellefrankelstudio.com.

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